Biografía
Luciana Lamothe (Buenos Aires, 1975) es una artista visual que trabaja en escultura, performance, activación, dibujo, fotografía y video.
Su trabajo está arraigado en las sucesivas crisis sociales que se dieron a lo largo del siglo XXI en Argentina. El punto de partida de sus investigaciones es la crisis argentina del 2001, un evento que marcó una fractura en las dinámicas sociales, económicas y materiales del país. En ese contexto, las calles se convirtieron en escenarios de transformación colectiva, donde las tensiones del momento y las huellas de la resistencia llevaron a reconfigurar las relaciones con la ciudad, los espacios y las formas de interacción social.
La crisis puede entenderse como una alteración y reconfiguración simultánea de un sistema. En este sentido, Lamothe trabaja sobre la relación dialéctica entre construcción y destrucción como una herramienta fundamental para entender este estado, no solo en tanto colapso, sino también como una posibilidad de transformación. Este vínculo revela cómo los procesos de desintegración permiten vislumbrar nuevas formas y dinámicas, desafiando las estructuras rígidas y abriendo paso a nuevas posibilidades.
Para explorar esta constante transformación, utiliza los conceptos de transmaterialidad y monomaterialidad como estrategias centrales para explorar las potencialidades de los materiales.
La transmaterialidad se refiere a la capacidad de los materiales para transformarse y adquirir nuevas propiedades mediante procesos físicos y conceptuales. Sostiene que todos los materiales, incluso los históricamente considerados rígidos, poseen una “blandura” inherente que depende de la percepción humana, las herramientas utilizadas y las interacciones con otros materiales. Esta visión propone que los materiales no son entidades estáticas, sino agentes dinámicos capaces de alterar sus características y comportamientos en función de su contexto.
Por otro lado, la monomaterialidad implica una inmersión profunda en las posibilidades de un solo material, explorando su origen, transformación, uso y descarte. Este enfoque permite investigar la vida interior de la materia, revelando su “faz energética”: las fuerzas y tensiones que se manifiestan en su estructura y comportamiento.
De este modo, sostiene que los materiales no son soportes inertes, sino potencias estructurantes, agentes sensibles en constante transformación. Genera espacios de indeterminación donde explora los límites y tensiones entre conceptos opuestos como rígido-flexible, blando-duro, uso-función, industrial-natural y humano-no humano. Estas exploraciones proponen una visión dinámica y sensible de la materia, capaz de redefinir las formas en que habitamos el mundo.
En 2024 fue la artista seleccionada para representar a Argentina en la 60 Exposición Internacional de Arte La Bienal de Venecia y fue ganadora del Programa de Becas y Comisiones de The Cisneros Fontanals Art Foundation. En 2023 realizó la exhibición Cien caminos en un solo día en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
En 2021 participó de BIENALSUR en Argentina y Chile, y recibió una mención especial en Escultura en el Salón Nacional de Artes Visuales de Argentina. En 2019 fue invitada a Meridians de Art Basel Miami y recibió la Beca para artistas de la Fundación Pollock-Krasner, Nueva York. En 2018 fue invitada al Programa de Arte Público de Art Basel Cities en Buenos Aires.
Participó de la 11a Bienal de Lyon, la 5a Bienal de Berlín, la 3a Bienal de Montevideo; y una exposición con motivo de la 7a edición de la Bienal Internacional de Gotemburgo. En 2011 obtuvo el Primer Premio Lichter Art Award, Frankfurt y el Primer Premio de la Fundación Cultural Itaú, Buenos Aires.
Ha expuesto en París, Nueva York, Los Ángeles, Berlín, Ámsterdam, Miami, Buenos Aires, Mar del Plata, Santiago de Compostela, Venecia y Río de Janeiro. Fue artista residente en Art Dubai, MANÁ Wynwood, Air Antwerp, y Residencia Skowhegan Maine.
Se formó como profesora de Bellas Artes – Escultura, ENBA Prilidiano Pueyrredón. Participó de la Beca Kuitca en la Universidad Torcuato Di Tella.
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Biografía extendida
Por Ana Inciarte
Luciana Lamothe (Buenos Aires, 1975) se formó como escultora en la ENBA Prilidiano Pueyrredón (1999) y en dos espacios determinantes para su obra: el taller de Aroldo Lewy (1995-1999) y la clínica de Pablo Siquier (2003-2004).
Lamothe investiga el concepto de tensión desde distintos soportes y medios, como escultura, performance, dibujo, fotografía y video. Extrema las potencialidades de los materiales y herramientas tensionando ciertos binomios constitutivos de la modernidad: uso-función, forma-función, construcción-destrucción, dureza-blandura, femenino-masculino, humano-no humano.
En sus primeras piezas figuran los componentes centrales de su poética. En la serie Cartones (2000) trabaja el material en capas con patrones sintéticos, simétricos y curvos, sin tratamiento superficial, llevando al límite la relación ornamento-material en bruto. En Gofrados (2001) incorpora el espacio urbano al pisar grandes rollos de papel en los que se imprimen baldosas de calle y volutas de rejas.
Entre 2003 y 2006 sale del taller y ejecuta y registra actos vandálicos urbanos. Utiliza herramientas cuya función inicial, construir o reparar, es subvertida para usarlas con un fin destructivo. Trastoca los binomios de uso-función, y construcción-destrucción, y radicaliza las potencialidades de herramientas y materiales, como en la serie Intervenciones vandálicas (2003-2006), y los videos Autor material y 5 acciones, ambos del 2005, año en el que es premiada en el certamen Curriculum Cero de la Galería Ruth Benzacar de Buenos Aires (GRB). En Criminal (GRB, 2008) introduce en la galería objetos de procedencia urbana bajo una lógica delictiva. Integra violencia y acción en potencia en Función (2011), un andamio con puntas afiladas, exhibido luego de agujerear las paredes de la sala. En esta línea, el video Testa (2006) vincula la idea de destrucción con la arquitectura brutalista de Clorindo Testa.
Como participante de la Beca Kuitca 2010-2011, exhibe Plan (luego presentada en la 11va Bienal de Lyon, 2011), una estructura de andamio suspendida de una pared en bruto, contradiciendo sus formas y funciones. Forma reticular y herramienta modular, el andamio y todos sus componentes (caños y nudos de metal, tablas de madera), opera como unidad básica del léxico de Lamothe, articulando los conceptos de arquitectura, cuerpo y material.
El cuerpo del espectador integra las obras para potenciar la tensión. En Contacto (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2013), obra participativa y de gran escala, la flexión de las maderas y la vibración de los metales de la plataforma de andamios provoca vértigo, búsqueda extremada en la exhibición The Function of Form (Galleria Alberta Pane [GAP], París, 2014), y en las obras Prueba de tensión (GRB, 2014; Museo MAR, Mar del Plata, 2015; C.C. Recoleta, Buenos Aires [CCR], 2023), Metasbilad (La Maison Rouge, París, 2015), Metasbilad (Prisma KH, Buenos Aires, 2016) y Proceso de inicio (CGAC, Santiago de Compostela, 2017). El aumento de escala conlleva un regreso al espacio público, como en Starting Zone (2018), una torre efímera exhibida bajo la curaduría de Cecilia Alemani durante Art Basel Cities Buenos Aires, Repetición x Quiebre (2021), un túnel de maderas quebradas al ingreso del Museo de Arte Decorativo de Buenos Aires, o Amorfa (2023), una cinta movida en las calles del microcentro porteño por performers ubicadxs en su interior. La escala puede ampliarse hasta demandar colaboraciones con especialistas en danza, sonido o iluminación, como en Invocar el acto (2022), o configurar un espacio contenedor, como en Cien caminos en un solo día (2023), donde diseña un dispositivo de exhibición para obras de la colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
Lamothe explora el concepto de transformación al concebir diferentes grados perceptivos de las herramientas y materiales en interacción: integra sus puntos de vista, escapando a preconceptos de género o especie sobre sus comportamientos. Así, curva maderas rectas en esculturas como Prototipos (CCR, 2015) y Layers (Steve Turner Gallery, Los Ángeles [STG], 2016), en obras participativas como Banco (exhibida en el Premio Braque, Buenos Aires, 2015) y Bidimensional bisagra (Centro Cultural Haroldo Conti, Buenos Aires, 2015) o en la exhibición Fricciones (GRB, 2022). Asimismo, el uso radical de herramientas de corte y soldadura ablanda los metales, operando por flexión con cortes lineales, como en la exhibición Mutation (GAP, Venecia, 2018), o por aberturas irregulares de reminiscencias vegetales, como en las muestras Ensayos de apertura (GRB, 2018) y I’m Burning Here (STG, 2019), o en Brutal Ambivalence, exhibida en Art Basel Miami Beach Meridians en 2019, año en el que recibe una Beca de la Fundación Pollock-Krasner. Este recurso se extiende a barandas o manijas, elementos arquitectónicos de pequeña escala y uso manual, como en One Frame Life (GAP, París, 2022).
El vínculo dureza-blandura también se da en el diálogo entre materiales sólidos y fluidos corporales, como en Meadas (2003), registro del acto de orinar en la vereda, Spit on the Cement Floor (GAP, París, 2012), un piso cubierto con polvo de cemento escupido por lxs espectadores para endurecerlo, o Escupir en el espejo (2013), donde la saliva cae sobre la propia imagen reflejada.
Asimismo, explora los límites de la cámara fotográfica y del dibujo en tanto herramientas. Articula visibilidad-opacidad con exceso-ausencia de luz en series que tienen a la ciudad como locación y al cuerpo como referente, como Icono no (ganadora del Primer Premio Itaú, 2011), Encd (2013) o Retrato borde (2022). En sus dibujos, las siluetas de los elementos de trabajo, como caños, pinzas o manos, operan como unidades modulares de composiciones abstractas, donde se integran y sintetizan sus búsquedas e insistencias poéticas.
Además de las exhibiciones y reconocimientos mencionados, Lamothe fue ganadora del Primer Premio del Lichter Art Award, Frankfurt (2011) y ha sido seleccionada en el Programa de Becas y Comisiones de The Cisneros Fontanals Art Foundation, Premio Adquisición Alberto J. Trabucco Escultura 2023, Premio Klemm (2021 y 2022), Premio Adquisición 8M (2022), Salón Nacional de Artes Visuales de Argentina (mención especial Escultura, 2021), entre otros. Participó de la 3era Bienal de Montevideo (2016) y de la 5ta Bienal de Berlín (2008). Ha exhibido en numerosos espacios internacionales, como Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, Berlín; Palais de Tokyo, París; Da Maré Museum, Río de Janeiro; Museo del Barrio, Nueva York; Fundación PROA, Buenos Aires; MNBA, Buenos Aires. Fue artista residente en Factatory Lyon, Atelier NI Marsella, MANA Wynwood, Art Dubai, Air Antwerp y Skowhegan de Maine. Su trabajo integra importantes colecciones privadas y públicas, tales como: Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC), Santiago de Compostela; Fundación América, Buenos Aires; Fundación Itaú Cultural, Buenos Aires; Museo Arte Contemporáneo de la Provincia de Buenos Aires (MAR), Buenos Aires; Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Castagnino+MACRO), Santa Fe; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), Buenos Aires; Museum of Fine Arts Houston (MFAH), Texas; 21C Museum Hotels, Kentucky.